Maren Ade

Os 20 melhores filmes de 2017

Até a metade, o ano não parecia ser dos melhores. Fala-se aqui, claro, do cinema. Mas algo mudou e grandes obras começaram a estrear, incluindo a primeira posição da lista abaixo – da qual muita coisa ficou de fora. Esse apanhado prova que o cinema atual respira bem. Grandes diretores continuam a fazer filmes e surpreender. Que venha 2018!

20) Manifesto, de Julian Rosefeldt

Cate Blanchett pula de cenário em cenário, de vida em vida, para dar voz a diferentes manifestos artísticos nesse filme original e sem saídas fáceis. Ao fundo repousa um mundo estranho, futurista, de salas lustradas ou de espaços em cacos, de gente bela ou miserável.

19) Últimos Dias em Havana, de Fernando Pérez

O que resiste é a amizade. E é sobre seu fim, a certeza de se ir embora – da vida ou de um país. Em cena, dois homens dividem a mesma casa em Havana, Cuba. Um fala muito, o outro quase nada. Um sonha em ir para os Estados Unidos, o outro tem aids e está acamado.

18) Eu, Daniel Blake, de Ken Loach

Davi contra Golias, o homem comum contra o Estado. Uma trajetória tocante que venceu a Palma de Ouro em Cannes. Ao centro, o simpático e às vezes difícil Daniel Blake, que não pode voltar a trabalhar e cuja vida é dificultada pelas autoridades, que insistem em não lhe ajudar.

17) Guerra do Paraguay, de Luiz Rosemberg Filho

O lendário diretor integrou o grupo de realizadores do cinema marginal. Trabalha aqui com o preto e branco, elenco e recursos mínimos. Conta a história de um soldado que retorna cheio de patriotismo da vitória no Paraguai e se depara com uma diligência guiada por mulheres.

16) Uma Mulher Fantástica, de Sebastián Lelio

O cotidiano da transsexual Marina Vidal fica de cabeça para baixo quando seu companheiro morre. É apenas o início do filme. O que vem a seguir é uma jornada por reconhecimento próprio contra a família do homem, que insiste em ignorá-la e tratá-la com preconceito.

15) Como Nossos Pais, de Laís Bodanzky

Retrato da vida de uma mulher presa às exigências da família – à medida que assiste às fugas e à boa vida do marido e à morte da mãe. Bodansky recheia sua história, outra vez, com sensibilidade. Em cena, o brasileiro que se descobre impotente, entre gerações diferentes demais.

14) Dunkirk, de Christopher Nolan

O espetáculo de guerra de Nolan. O filme é pulsante, empolga, não deixa cair no desinteresse em momento algum. Divide-se em três tempos: a semana de um rapaz que tenta escapar da França, o dia de um homem que ajuda os soldados no mar e as horas de um piloto contra os inimigos.

13) Nocturama, de Bertrand Bonello

Inédito nos cinemas, o filme foi direto para a Netflix. Os jovens em cena se reúnem para promover o caos: em um dia como qualquer outro, espalham bombas em Paris e sequer explicam suas reais motivações. Em seguida, juntam-se em uma loja de departamentos, à espera do fim.

12) Afterimage, de Andrzej Wajda

Outra luta de Davi e Golias, a do artista contra o sistema comunista polonês após a Segunda Guerra Mundial. Aos olhos do Estado, a arte de Wladyslaw Strzeminski não interessa: parece intelectual ou burguesa demais a esses tempos de “arte política”. Último filme do mestre Wajda.

11) Blade Runner 2049, de Denis Villeneuve

O que parecia impossível aconteceu: Villeneuve fez um novo Blade Runner sem que parecesse cópia do primeiro e, de quebra, sem deixar de lado as características do anterior. O diálogo entre ambos é pleno. Ainda assim, o cineasta vai em frente e faz um filme com sua assinatura.

10) Na Praia à Noite Sozinha, de Hong Sang-soo

Um dos mais belos trabalhos do coreano Sang-soo. Com muito diálogo e aparência de improviso, além do uso constante do zoom, o diretor trilha caminho autoral. Trabalha de maneira rápida, é incansável. E mais outros dois filmes do cineasta devem desembarcar em breve no Brasil.

9) O Ornitólogo, de João Pedro Rodrigues

A situação do protagonista tem algo onírico: ele perde-se pela floresta, é perseguido por mulheres que o torturam e assombrado por animais empalhados. O homem torna-se refém e presa nessa obra original do português João Pedro Rodrigues, com coprodução brasileira.

8) Z: A Cidade Perdida, de James Gray

Outro grande filme esquecido pelas premiações. Os homens do establishment hollywoodiano insistem em ignorar Gray, talvez o melhor cineasta americano em atividade. Aqui, ele conta a história real do explorar Percival Fawcett, em busca de uma cidade perdida.

7) Na Vertical, de Alain Guiraudie

A França profunda deixa ver os lobos. Nada pode ser previsto nesse filme do diretor de Um Estranho no Lago. A misè-se-scene de Guiraudie é direta, às vezes fria, dispensa firulas. Seu protagonista, um roteirista de cinema, torna-se pai e se vê sozinho com seu bebê.

6) O Apartamento, de Asghar Farhadi

A vida de um casal transforma-se ao mudar para outro apartamento. A cena inicial resume muito: o antigo prédio em que vivia apresenta tremores. No prédio seguinte, o casal passa a morar no apartamento em que residia uma prostituta, onde a nova moradora é agredida.

5) A Vida de uma Mulher, de Stéphane Brizé

Filme triste e realista, em época passada, ainda sob a regra dos bons modos. À frente, a vida da mulher é feita mais dos momentos tristes, menos dos felizes. Ela é vítima dos homens que a cercam: primeiro o marido, depois o filho. Ela resiste. Brizé é cruel e delicado.

4) Toni Erdmann, de Maren Ade

Os pontos altos dessa comédia ocorrem em situações inesperadas. A cineasta apresenta a difícil relação entre pai e filha, e como a segunda é levada a se transformar – a se despir, o que inclui o gesto literal – para seguir em frente. O momento em que canta é um achado.

3) Além das Palavras, de Terence Davies

Nova incursão pela vida de uma mulher. Personagem verdadeira, a poetisa Emily Dickinson passa da educação religiosa à vida de festas e alguma clausura. Sempre cercada pelas pessoas e, claro, pelas palavras. Davies é um daqueles mestres que merece mais reconhecimento.

2) Paterson, de Jim Jarmusch

A poesia, outra vez. O poeta urbano, escondido, à frente do volante de um ônibus. Os dias, para ele, só podem escapar da repetição – e das repetições sinalizadas pelos gêmeos – a partir da escrita, da possibilidade de ser poeta. Possivelmente o melhor filme do independente Jarmusch.

1) Corpo e Alma, de Ildikó Enyedi

A medalha de ouro fica com esse pequeno grande filme sobre o amor entre pessoas aparentemente diferentes, em lugar difícil de imaginar: um abatedouro de bovinos. Ali, ele observa a moça que tenta se desviar. Ambos passam a sonhar o mesmo sonho e relatam essa experiência a cada novo dia. Algo mágico, para dizer o mínimo.

E outros dez que merecem menções honrosas: Era o Hotel Cambridge, de Eliane Caffé; Martírio, de Vincent Carelli; Moonlight: Sob a Luz do Luar, de Barry Jenkins; A Tartaruga Vermelha, de Michael Dudok de Wit; Manchester à Beira-Mar, de Kenneth Lonergan; Mimosas, de Oliver Laxe; Joaquim, de Marcelo Gomes; Eu Não Sou Seu Negro, de Raoul Peck; Fragmentado, de M. Night Shyamalan; e O Filho de Joseph, de Eugène Green.

Veja também:
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As dez melhores atrizes de 2017

Centrais
As mulheres em destaque abaixo apoiam-se em diferentes máscaras: uma deles veste 13 personagens; outra, transexual, luta para ser apenas uma – contra os preconceituosos que não a aceitam. Há também uma mulher fechada, com dificuldade de amar, porém poetisa famosa; outra que perdeu seu amor e vaga sozinha, além da aparente liberal que termina sob as inesperadas investidas do pai descolado.

Cate Blanchett, em Manifesto

Cynthia Nixon em Além das Palavras

Daniela Vega em Uma Mulher Fantástica

Kim Min-hee em Na Praia à Noite Sozinha

Sandra Hüller em Toni Erdmann

Outras que merecem destaque: Alexandra Borbély em Corpo e Alma; Annette Bening em Mulheres do Século 20; Eili Harboe em Thelma; Emma Stone em La La Land: Cantando Estações; Florence Pugh em Lady Macbeth; Judith Chemla em A Vida de uma Mulher; Kate Winslet em Roda Gigante; Maria Ribeiro em Como Nossos Pais; Natalie Portman em Jackie; Patrícia Niedermeier em Guerra do Paraguay; Paula Beer em Frantz; Ruth Negga em Loving; Soria Zeroual em Fátima; Yuliya Vysotskaya em Paraíso.

Coadjuvantes
A mãe sofre e não larga o cigarro. Ao piano, tem em cena um momento tocante; outra, mais jovem, faz o possível para sustentar os filhos pequenos quando o Estado deixa de representá-la. Há também a mãe poderosa que mantém as rédeas da família, contra o marido descontrolado em conflito com o filho. Destaque ainda à criada que luta para ter voz e à moça de cabelo vermelho, em mundo à parte, que não raro rouba a cena.

Clarisse Abujamra em Como Nossos Pais

Greta Gerwig em Mulheres do Século 20

Hayley Squires em Eu, Daniel Blake

Naomi Ackie em Lady Macbeth

Viola Davis em Um Limite Entre Nós

Outras que merecem destaque: Emma Bell em Além das Palavras; Michelle Williams em Manchester à Beira-Mar; Naomie Harris em Moonlight: Sob a Luz do Luar; Raph em Mistério na Costa Chanel; Solène Rigot em Faces de uma Mulher; Tilda Swinton em Okja; Zita Hanrot em Fátima.

Veja também:
Manifesto, de Julian Rosefeldt
Toni Erdmann, de Maren Ade
Uma Mulher Fantástica, de Sebastián Lelio

Toni Erdmann, de Maren Ade

Não são raras as vezes em que Sandra Hüller fixa-se no tempo, sem nada a não ser o pensamento. Na pele de Ines Conradi, ela tenta entender – ou apenas lamenta – por que o pai comporta-se como criança, ou por que vive em universo tão distante.

São esses tempos mortos que comprovam o talento da atriz e, sobretudo, o da diretora Maren Ade: a maneira como Toni Erdmann desenha-se como comédia, não como drama, porque esses mesmos tempos atestam o absurdo, a perplexidade.

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É como se Ines não tivesse saída senão a da idiotice que a ronda, a que explode nas faces do pai, em sua proposital interpretação fácil e grotesca, menos naquelas que se escondem sob o rosto dos belos engravatados que lutam para fechar um grande negócio.

A mulher alemã está na Romênia, onde boa parte do filme é ambientada. Ao que parece, a relação com o pai, Winfried (Peter Simonischek), é distante. Cresceu em outro universo, o do mundo dos negócios, enquanto ele deixa evidente, ainda cedo, o polo ao qual pertence: está entre crianças, ao piano, em uma apresentação de canto.

Depois de perder seu cão, o homem sai atrás da filha: viaja à Romênia para um encontro surpresa. O que se desenrola são momentos diversos de incômodo da parte dela, das maneiras como ele servirá sua máscara para chocar todos com facilidade.

Pode parecer fácil, mas não é: ser Winfried, ou Toni Erdmann, nesse meio que louva a etiqueta, é o mais difícil. Viver sob uma personagem não é fácil. Para o pai, que assume outra identidade, a de Toni, será natural até certo ponto. Para a filha, presa à sua comum interpretação – a da mulher no mundo dos negócios globalizados –, é um martírio.

Tão imersa nessa máscara, ela demorará a ver o quanto o pai, mesmo caricato, é natural. Toni Erdmann é sobre essa relação de incômodo e estranheza, sobre descobrir que a interpretação assumida pode ser a única legítima entre tantas pessoas que aprenderam a viver sob o signo dos bons modos, sob a parca distância entre o elogio e o insulto (como o momento em que Ines é chamada de “animal” pelo chefe).

Os filmes anteriores de Ade também abordavam a dificuldade de se ver incluído e, por isso mesmo, a verdade explodia à câmera. Tal papel cabe aqui ao pai, ao homem de peruca e dente postiço, cujos absurdos levados ao cotidiano o aproximam de uma personagem de Roy Anderson, o diretor da Trilogia do Ser Humano.

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O absurdo torna-se natural porque nunca deixou de ser. Em A Floresta para Árvores, uma professora recém-chegada à escola não consegue fazer amizades e domar seus alunos. Tenta, assim, aproximar-se de uma vizinha. Em Todos os Outros, uma mulher não consegue fazer parte da vida de seu namorado quando saem em viagem.

O mal-estar gerado por essa aparente segregação explora o cotidiano dos “diferentes” e o quanto eles, levados aos mesmos tempos mortos da diretora, pouco a pouco parecem “normais”, incluídos, donos de um meio próprio, de uma língua própria.

Ade nunca precisou de tanto tempo para mesclar personagens. Aos poucos, Ines entra no jogo de Winfried e observa toda a fauna ao redor por outra perspectiva. Seria, em outro caso, um ponto de partida a qualquer história banal e manjada sobre pais e filhos separados, sobre famílias disfuncionais – sem a mesma ousadia e naturalidade.

O segredo de Ade é fazer tudo realista, ao passo que a couraça de Ines será movida enquanto tenta retirar um vestido, enquanto, é possível, sente-se envelopada e deseja escapar. Despe-se enquanto espera seus companheiros para uma festa. Alguns saem chocados, expulsos. Outros aceitam o jogo e também tiram a roupa.

Não teria o mesmo efeito em menor metragem. As personagens de Ade absorvem o mundo ao redor com calma. Cada instante é valioso, à medida que a inegável comédia também abre espaço ao drama de pessoas que tentam parecer “normais”.

(Idem, Maren Ade, 2016)

Nota: ★★★★☆

Veja também:
A Floresta para Árvores, de Maren Ade

A Floresta para Árvores, de Maren Ade

A infantil Melanie Pröschle pode gerar incômodo e pena ao mesmo tempo. Não é pouco, e são poucas as personagens que conseguem tanto. A Floresta para Árvores – estranho desde o título – é mais simples do que parece. Não fosse a personagem.

O filme é dela. A diretora Maren Ade volta o olhar ao jeito recluso da moça, à sua dificuldade em pertencer, em fazer amigos. A sociedade fecha-se para ela. E o título voltar a martelar: a floresta é algo mais difícil de cultivar do que uma árvore.

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O que leva a pensar também no apartamento de Melanie, interpretada pela ótima Eva Löbau. Espaço de criança, de paredes coloridas, de muitas plantas. Ainda no início, a moça levará plantas aos vizinhos, como forma de aproximação, para fazer amizade.

Suas tentativas são frustradas: os outros não estão interessados em Melanie, ainda que ela, em momentos, sequer faça esforço para tanto. A Floresta para Árvores não é um filme de gênero, mas bastaria pouco, tratando-se da personagem, para que ao menos estivesse perto de tantas outras garotas que, em várias comédias americanas, sofreram para ser parte de um grupo, por uma amizade ou um amor.

A moça tem sua própria forma de lidar (ou não) com o que a rodeia. Na escola, a comunicação é possível com as crianças menores, não com os adolescentes. A protagonista não consegue colocar ordem na classe, é motivo de risada entre os alunos. Seu grito não sai nunca e pode voltar de outras formas, como nas investidas de Melanie à vizinha, de quem tenta se aproximar, ou do professor e amigo de trabalho.

Ele é o único em cena a se aproximar dela. Mas a moça não o deseja. Quer gritar contra tudo o que ele talvez represente: seu reflexo, a imagem de alguém tão preso e complicado quanto ela, alguém que parece simplesmente não ser natural, que não consegue se relacionar com os outros sem deixar de lado a etiqueta do “esquisito”.

O filme de Maren Ade é sobre fazer parte, ou tentar. Sobre gritos em silêncio dessa menina, ou criança, que expõe quase tudo em sua cruzada para ser alguém “normal” – ainda que isso pareça estranho, para não dizer impossível. O que diferencia Melanie talvez seja apenas sua falta de naturalidade, seu impenetrável mundo à parte.

A composição leva a pensar em um filme do movimento Dogma, com liberdade e improviso, e a imagem como forma de exercício de interpretação. É um trabalho de ator, com a câmera em momentos a persegui-lo, a flagrá-lo em situações que podem parecer estranhas ao primeiro olhar. Pessoas como a protagonista estão fadadas a sofrer, ou a voltar ao banco de trás, ao lugar das crianças.

(Der Wald vor lauter Bäumen, Maren Ade, 2003)

Nota: ★★★☆☆

Veja também:
13 Minutos, de Oliver Hirschbiegel